從音樂的起源到基督教音樂興起為止，稱為古代音樂。

　　數千年前的古典音樂因為年代過於久遠，加上所遺留下來的資料殘缺不全、考證不易，所以今日討論的西洋音樂史，大多是從希臘時期（大約西元前一千年）談起。古希臘人非常熱愛音樂，當時他們已經有了音高的概念，並且依據不同音高制定了許多不同特性的音樂調式。此外古希臘人也確立了一套有關音階方面的音樂理論。

　　希臘在西元前一四六年被羅馬帝國征服後，因為羅馬人並不珍惜希臘的音樂遺產，使得因約逐漸失去了在社會與生活中的重要度。這種情形一直到基督教在羅馬興起，誕生了新的基督教音樂後，音樂才再度受到重視。

中世紀：從基督教音樂興起後到文藝復興之前的這一段時期，時間上大約為西元五００年到∼一四五０年間。

　　基督教音樂以羅馬為中心，隨著基督教的普及，逐漸流傳到歐洲各地。到了西元六世紀末，在教皇葛麗果一世的主主持下，由教會人是將各地教會音樂家以整理彙編及改良，產生了著名的葛麗果聖歌。

　　另一項音樂上的重大發展是樂譜的發明。在記譜法尚未發明時，音樂的流傳必須依靠口耳相傳。到了西元九世紀時，天主教音樂家發明了「紐姆樂譜」。早期的紐姆樂譜還不能完全記下旋律，到了十世紀左右，四線譜的發明使得音樂的高低可以記錄下來。到了十二世紀又發明了表示音長短符號，逐漸演變成為今日五線譜的基礎。

         文藝復興時期：西元一四五０年到一六００年間的一百五十年間。

　　文藝復興是歐洲近代文明奠定基礎的一個時期。在那時期，理性、科學的思考方法取代了復興以前以宗教為中心的生活方式，歐洲於是產生了許多偉大的人物，例如可學家哥白尼、伽利略；美術家達文西、米開朗基羅；文學家但丁、莎士比亞等人。於是在音樂方面，雖然沒有產生與上述幾人齊名的人物，但仍有幾項重大的發展：

　　一、複音音樂的盛行：最早的葛利果聖歌是單音音樂，就是指樂曲僅有單一的旋律或曲調，不含任何伴奏的音樂。但是後來，人們覺得這樣的音樂太單調了，所以就加上其他的旋律一起唱，形成了所謂的「複音音樂」。這樣的形式在文藝復興時期到達了全盛，所以也有人將文藝復興時期稱作為「複音音樂時代」。

　　二、樂譜印刷術的發明：早期樂譜印刷術還沒發明以前，樂譜必須由人工抄寫，所以當時樂譜是相當珍貴且稀有的。然而自從樂譜印刷術在文藝復興時期發明後，一般社會的百姓也可以擁有樂譜，所以這音樂的普及相當重要。同時，這個發明也使得後人研究前人所留下來的音樂，變的更加便利，對於音樂的累積與傳承，也產生重大且深遠的影響。

          巴洛克時期：西元一六００年到一七五０年。

　　「巴洛克」(Baroque)這個字是來自葡萄牙文，它原來的意思是「不規則」、「怪異」的意思。但是它為什麼會被用到形容在音樂上呢？原來在十八世紀末期，有些西洋藝術史學者以他們對古典樂派的審美標準，來回顧自十七世紀以來的藝術發展，他們覺得這一百五十年的藝術作品，給予他們的印象是古怪而且過份龐大，所以他們就以「巴洛克」來形容這時期的藝術風格，而音樂當然也包括其中。

　　巴洛克時期是西洋史上最多采多姿的，也是最混亂複雜的時期之一。在這時期裡的音樂發展是朝著好幾個方向進行的，樂曲的形式與構造也不斷的推陳出新。所以形成了新、舊不同風格的音樂同時並存的情形。由於在之前文藝復興時期，複音音樂的創作手法已經到達了高峰，進入巴洛克時期後，人們在求新求變的時代精神下，開始把文藝復興時的音樂形式加以變化和改良，以求取更強的音樂表現，所以巴洛克時期產生了許多因的曲式。特別值得一提的是，歌劇也在這時期出現了。因為這一項劃時代的產品，所以「巴洛克時期」也就以歌劇來作為與文藝復興時期的分界點。

　　巴洛克時期同時也是西洋音樂史上一個「承先啟後」的時代，巴洛克的作曲家們繼承了文藝復興的音樂遺產，並且將它改良創新而開發出一番因的局面。有人認為，如果文藝復興時期是西洋近代文明的蘊育期，那巴洛克時期就是近代文明的一次開花結果。我們也可以說，巴洛克時期最大的音樂成就，在於它總結了西洋樂史過去幾千年來的音樂發展，並為後世開闢了一條新的道路。

         古典樂派時期：古典樂派時期是西洋因樂史上最短的一個時期，時間是從一七五０年到一八二０年。

　　古典音樂的發展，在巴哈時代一過去，便進入「古典樂派時期」，而到了貝多芬，因為貝多芬晚期的作品出現浪漫時期樂派的風格，所以古典樂派就以貝多芬作為終點。不過，雖然巴洛克與古典時期是以一七五０年做為分界點，但是古典風格的形成，不像文藝復興至巴洛克時期的分界點那麼清楚。一般來說，從一七四０年到一七七０年左右是古典風格形成的一個過渡期。

　　「古典」這兩個字給人的是「高貴」、「典雅」，所以這和巴洛克時期音樂的華麗且樂風複雜，以及浪漫時期音樂強調作曲家個人感情的宣洩，是很不一樣的。造成這種情形的主要原因是，古典樂派的作曲家受到了當時文學上古典主義的精神影響，所追求的是一種樂曲形式上客觀的美感，所以古典樂派時期的音樂大都有著統一而且規律的性格。

　　古典樂派時期的特色是，之前在複音音樂的時代，並沒有「漸強」或是「漸弱」的樂曲表現方式，即使是巴洛克時期主調音樂，雖然也強調獨奏部與伴奏部間的力度上的強弱交替，以產生樂曲明暗的變化，但是巴洛克時期樂句強弱的對比，是以明晰的台階式表現的，當時的人還沒有將樂句塑造成「漸強」或「漸弱」的概念，所以說樂句漸強與漸弱的表現手法，是從古典時期其確立的。

　　奏鳴曲式也是在古典樂派時期所確立的：奏鳴曲式其實在古典時期早已出現，但是最初的奏鳴曲式不管在形式上或含意上均模糊不清。但是到了古典時期，奏鳴曲式經由多位作曲家的努力下，逐漸確立成一種樂曲形式，然後在由海頓、莫札特和貝多芬等人加以發揚光大。

　　為什麼要特別強調奏鳴曲式確立的這件事情呢？主要是因為「奏鳴曲式」是古典時期樂器曲最常採用的取是結構。凡舉獨奏奏鳴曲、交響曲、室內樂及協奏曲等等今日愛樂者最常聆賞的樂曲形，都是依循奏鳴曲式來創作的，而此一重要的曲式也被後來的浪漫樂派所沿用。

　　奏鳴曲式主要是由兩個相對的主題，以呈示部、發展部和再現部的程序進行發展的曲式。所謂兩個相對主題，也就是一般樂曲解說書上常提到的第一主題和第二主題，兩個為不同性格個主題在曲子中形成強烈的對比，增加音樂的戲劇性。至於「呈示部」，只的便是將兩個主題呈現出來的部分。當兩個主題都出現過後，樂曲就依據這兩的主題作為基礎展開和變化，這就是發展部，發展部在奏鳴曲式的結構裡，通常佔的份量是三部中最重要的。等樂曲發展到某一個程度後，這時主題得原貌可能已經不易辨識，聆賞者也因此無法預測樂曲往下還要如何發展。所以作曲家便安排了一個再現部，讓樂曲的主題在一次的出現，並且在再現部為樂曲做一個結束。這樣的作法有點類似文章寫作中的起、承、轉、和。奏鳴曲式和作文一樣，符合人的邏輯思考，而這個「邏輯性」其實也正式古典樂派時期音樂的特色之一。

         說到了浪漫時期樂派，在今日一般愛樂大眾所欣賞的古典音樂曲目，這一時期的作品佔了較大的比例。從整個西洋音樂史來看，較遠的中世紀及文藝復興不說，只從巴洛克時期到今天，將近四百年的歲月中，即使浪漫時期僅僅佔了短短的八十年，但是這時期的音樂人才備出，被列入重要大作曲家的名單之高，可見這時期音樂受眾人歡迎的程度了。

　　熟悉西洋藝術史的人都知道，整個十九世紀，歐洲都籠罩在一股巨大的浪漫主義思想潮流裡。浪漫主義其實就是一種與古典主義相對立的思想。古典樂派時期的音樂著重在形式與規則，表現出的是形式上客觀的美感。浪漫主義既然是相對於古典主義，則浪漫時期樂派的音樂便是要大破舊有了形式與規則，當時的作曲家認為，音樂主要是表現他們的情感，形式只是一種表達的媒介。所以浪漫時期的音樂比巴洛克時期更自由、不受約束，使得整個音樂世界變得更多采多姿。

　　綜合浪漫樂派時期的音樂表現，這個時期的特色有以下幾點：

　　一、標題音樂的確立：所謂的「標題音樂」，是指作曲家為了藉由音樂來描述某個故事或者是某一種情境的氣氛，於是他們就應用描寫式的旋律或節奏，甚至是模仿真實聲音的擬音效果，來具體表示出樂曲內容的音樂。所以標題音樂除了有標題外，作曲家通常也會附上說明樂曲內容的文字，好讓聆聽者可以清楚地知道作曲家的創作意圖。

　　至於，在古典樂派時期或是更早的巴洛克時期，當時不是也有標題音樂嗎？海頓的「驚愕」、「軍隊」、「時鐘」等等標題，還是貝多芬的「英雄」、「命運」、「田園」等交響曲，不都是有標題的嗎？為何說標題音樂到了浪漫樂派時期才確立？事實上，那些標題多半是由後人所冠上的，就算有的是由作者所親提，但是那些曲子創作的目的，並不是用音樂來描述事物，標題附加項頂多是來傳達樂曲的概念而已，所以並不算是真正的標題音樂。

　　出現在浪漫時期的標題音樂不是沒有，例如巴洛克時期義大利作曲家韋瓦第所寫的小提琴協奏曲「四季」，就是非常著名的例子。但是當時這種曲子多半是偶發性的，數量非常少。所以一般學者認為，標題音樂的概念是從浪漫樂派時期法國作曲家白遼士所寫的「幻想交響曲」開始確立的。

　　二、交響詩的產生：交響詩的曲式是由匈牙利鋼琴家兼作曲家李斯特所首創，它是一種不分樂章而且形式自由的管弦樂曲，同時也是運用標題音樂個概念所譜做的樂曲。而交響詩既然是標題音樂的一種，它的目的當然也是再描寫事物，它可以陳述一個故事，描繪一個景致，或者是表達出作者對於某一件事物的感想。

　　三、民族主義與音樂的結合：十九世紀中葉後民族主義興起，歐洲各地民族的民族意識相繼覺醒，這個潮流影響所及，歐洲各國的作曲家紛紛往自己民族的傳統素材中找尋作曲的靈感。一時之間，富有民族獨特色彩的音樂，如雨後春筍般在各地出現。這種具有民族特色的音樂，形成了後來所謂的「國民樂派」。而國民樂派的興起，在時間上是與浪漫樂派相重疊的，正如各是多彩繽紛的花朵，將浪漫樂派時期點綴得更佳絢爛美麗。

         時序進入二十世紀以後，西洋音樂史又經歷了一次重大的革命，人們開始覺得巴洛克時期以作曲家所使用的大、小調音階調系統，以及傳統的和聲運用，已經不再能滿足他們的需求，於是便開始尋求新的和聲理論，以及傳統的和聲運用、多調性等等的音樂。

　　二十世紀這一時期的音樂風潮，可以說是法國作曲家德布西所創造出印象主義音樂開始。他在音樂和弦的使用上相當大膽完全不受傳統和聲理論的規範，他並且喜歡應用全六全音音階來作曲，可以說是一位特立獨行的作曲家。不過德布西所寫的印象主義音樂，仍未完全打破傳統的調性理論。

　　到了第一次世界大戰以後，奧國作曲家荀白克發表了十二音列系統的新理論，並依據這個理論創造出十二音列的無調性音樂，至於傳統的調性觀念和大、小調音階體系終於完全打破了。荀白克之後，各式各樣的新音樂理論相繼被人提出與運用，諸如噪音主義、具象音樂、電子音樂、機遇音樂以及微分音音樂等等各種實驗性色彩濃厚的音樂。一般來講，這些新音樂都是非常的不和諧，完全否定了音樂必須優美悅耳的傳統觀念。因此許多愛樂者認為二十世紀的新音樂都是嘈雜、難聽，而將之列為「拒絕往來戶」。

　　其實在本世紀的音樂裡，有些並不是那麼前衛而教人難以接受的，例如俄國作曲家史特拉汶斯基、普羅高菲夫、法國作曲家米堯、浦朗克等人，他們所寫的新古典主義音樂，對於現代人並不難些受。更何況有些被歸類於後期浪漫樂派的作曲家如馬勒、查理•史特勞斯、西貝流士等人，他們在跨入二十世紀以後，依然繼續寫具有浪漫風格的曲子。

　　綜觀二十世紀西洋古典音樂的發展，與前面所提的各個時期來比較，他們之間最大的不同之處，就在於以前各時期的音樂作品，多半能歸納出屬於自己的時代風格，但是這一點在二十世紀的音樂中便行不通了，現代樂派的音樂，創作者在創作理念上往往是天差地別的，音樂的呈現也是五花八門的，他們之間並沒有時麼普遍性後共通點。所以有人說：「二十世紀是西洋音樂史上最『混亂』的時期」，至於二十世紀所發展出來的許多音樂，是否有傳世的價值？由於當代人看當代事物總是很難客觀，這一點恐怕就要留待後世的人們來評斷了。